Fine Art Photos - La photographie artistique

Photographie en noir et blanc

La plus ancienne photographie conservée au monde est une vue d'une fenêtre du Gras (1826) réalisée par l'inventeur français Nicéphore Niépce (* 1765). L'image a nécessité une exposition d'une durée d'environ huit heures, de sorte que les bâtiments sont éclairés des deux côtés par le soleil. Le matériel noir et blanc a dominé les quelque 125 premières années de l'histoire de la photographie. Aujourd'hui, les photographies murmurent discrètement le courage des premiers artistes qui ont créé la magie de l'image à partir de la lumière.

Dans la pénombre de l'aube, nous apercevons le premier murmure de l'éternité, la vue de la fenêtre du Gras. C'est précisément cette indétermination brumeuse, l'imperfection qui transforme les toits et les murs en formes informes, qui confère à l'image une aura d'insaisissabilité. La vue du Gras respire la mélancolie d'un matin oublié. C'est là que réside la véritable essence de la photographie, la capacité de capturer un instant au moment de sa création. La photographie de Niépce est une symphonie silencieuse de bruits.

Nicéphora Niépce ( † 1833) est né à Chalon-sur-Saône, en France, dans une famille aisée - son père était intendant du domaine du roi Louis XV. Il a d'abord été baptisé sous le nom de Joseph, mais a ensuite pris le nom de Nicéphore. Au début du 19e siècle, un engouement pour les nouvelles techniques de reproduction des peintures se fait jour. En 1813, l'art de la lithographie se répand en France, permettant d'imprimer des dessins dans la pierre. Niépce, fasciné par cette technique, commence à l'étudier. La camera obscura, un appareil optique qui projetait l'image réelle sur un support à partir duquel l'artiste la traçait, était souvent utilisée pour transférer les dessins. Cependant, Niépce n'était pas satisfait des résultats obtenus en traçant manuellement l'image inversée à partir de la camera obscura et cherchait un moyen de capturer l'image de façon permanente et automatique dans la chambre noire. Cette idée l'a conduit à une série d'expériences avec divers matériaux sensibles à la lumière.

Niépce utilisait une plaque d'étain recouverte d'une couche d'asphalte, qui durcissait dans les zones éclairées et s'effaçait dans les zones non éclairées après de nombreuses heures d'exposition à la lumière du soleil. Il a appelé ce procédé héliographie ou « dessin du soleil ». L'image obtenue nécessitait un temps d'exposition extrêmement long, environ 8 heures, mais Niépce a démontré qu'il était possible de capturer l'image de façon permanente avec l'objectif d'un appareil photo. Niépce a ensuite collaboré avec le Français Louis Daguerre, qui a continué à perfectionner le processus photographique après la mort de Niépce en 1833. Louis Jacques Mandé Daguerre fait une découverte essentielle : il constate que l'image, à l'origine invisible, capturée sur une couche sensible peut être développée en raccourcissant l'exposition et en l'exposant à la vapeur de mercure. En 1839, Louis Daguerre introduit son procédé, appelé daguerréotype, qui permet des expositions beaucoup plus courtes, de l'ordre de quelques minutes au lieu de quelques heures, et fournit des résultats plus détaillés. Le daguerréotype produisait une image sur une plaque d'argent et le résultat était un original unique et brillant, que l'on appelait à l'époque un « miroir à mémoire ». L'image était fragile et devait être conservée derrière une vitre et faire l'objet d'un miroir inversé. Le principal inconvénient est qu'il n'y a pas de négatif - chaque daguerréotype est unique et ne peut être reproduit.

En 1839, la nouvelle de l'invention de Daguerre se répand rapidement dans le monde entier, y compris en Bohême. Le journal tchèque Bohemia publie le premier reportage sur la « peinture à la lumière » le 27 janvier 1839, et la même année, les premiers daguerréotypes apparaissent en Bohême. L'un d'entre eux - la photographie de Daguerre du cabinet de curiosités du prince Metternich - est toujours conservé au château de Kynžvart. Louis Jacques Mandé Daguerre l'a offerte au chancelier autrichien Klemens Wenzel von Metternich avant la publication officielle de sa découverte du daguerréotype. Au dos de la photo se trouve une note manuscrite du chancelier Metternich. Ce fait fait de cette photographie un document historique unique, illustrant non seulement les débuts de l'histoire de la photographie mais aussi les relations culturelles de l'époque. Elle est exceptionnelle non seulement par son âge, mais aussi par sa conservation et son réglage original.

Un autre exemple est un portrait de famille du comte Chotek et de sa famille datant de novembre 1839. C'est l'une des premières photographies prises dans les pays tchèques. L'exposition prenait plusieurs minutes, le sujet devait donc poser immobile pendant longtemps. Peu après le daguerréotype, l'Anglais William Henry Fox Talbot a mis au point un autre procédé appelé calotype (1841). Il fut le premier à utiliser le principe du négatif sur papier, à partir duquel on pouvait réaliser un nombre quelconque de copies positives par impression par contact.

L'idée du négatif et du positif s'est avérée être une percée pour le développement ultérieur de la photographie

Le négatif et le positif permettaient de multiplier les images, ce qui faisait défaut aux daguerréotypes. Dans la pratique, cependant, le calotype avait une résolution et une finesse limitées. Il a donc été surpassé dans les années 1850 par le collodion ou procédé humide, inventé par l'Anglais Frederick Scott Archer. Il utilisait des plaques de verre recouvertes d'une couche de collodion humide sensible à la lumière. Le procédé humide combinait les avantages de la netteté et de la reproduction - le résultat était un négatif en verre à partir duquel des positifs nets pouvaient être réalisés sur papier. L'inconvénient est que la plaque doit être développée immédiatement après l'exposition, alors qu'elle est encore humide, ce qui oblige les photographes à transporter des chambres noires portables et des produits chimiques sur le terrain.

À la fin des années 1870, le procédé dit sec est apparu - des plaques de gélatine bromo-argentique (négatifs) qui n'avaient pas besoin d'être traitées immédiatement. Cette invention a progressivement simplifié la photographie : les plaques sèches pouvaient être fabriquées et stockées à l'avance. Au départ, elles étaient moins sensibles et avaient plus de grain que le procédé au collodion humide, mais leur développement rapide améliorait tellement leur qualité qu'en 1880, elles avaient complètement supplanté le procédé humide. C'est alors que survient la percée du film en rouleau sur support celluloïd souple, introduit par Eastman Kodak en 1888. Avec le slogan « Vous appuyez sur l'obturateur, nous faisons le reste », Kodak a permis l'utilisation d'appareils photo légers et portables et la diffusion massive de la photographie. En Europe, les appareils photo à pellicule de 35 mm introduits par Oskar Barnack (Leica) dans les années 1920 ont rapidement gagné en popularité.

Premiers essais de photographie en couleur

James Clerk Maxwell a démontré le principe de la projection des couleurs en trois étapes dès 1861, mais le matériel couleur pratique n'est apparu que plus tard - les plaques autochromes des frères Lumière (1907). Celles-ci utilisaient de minuscules filtres colorés fabriqués à partir d'amidon, mais en raison de leur faible sensibilité et de la complexité de leur traitement, la photographie couleur est restée longtemps une curiosité. Ce n'est qu'au début des années 1950 que la photographie couleur a commencé à prospérer. Jusqu'au milieu du 20e siècle, la photographie en noir et blanc était la norme pour les journalistes, les artistes et les amateurs.

Le photographe français Henri Cartier-Bresson photographiait presque exclusivement en noir et blanc et pensait que la couleur pouvait être gênante dans une photographie. « La couleur nie toute la valeur tridimensionnelle de la photographie », disait Cartier-Bresson.

En Tchécoslovaquie, la photographie en couleur était moins répandue jusqu'aux années 1980 pour des raisons pratiques - les films et les produits chimiques en couleur étaient plus chers et moins facilement disponibles. Dans les années 1960 et 1970, la plupart des amateurs et des professionnels ont continué à travailler en noir et blanc, développant les films chez eux dans la chambre noire.

Vers 1847, Abel Niépce de Saint-Victor, neveu de Nicéphore Niépce, utilise une plaque de verre recouverte d'une couche de blanc d'œuf et d'halogénures d'argent, mais ce procédé à l'albumine nécessite de très longues expositions. Une avancée a eu lieu en 1851 lorsque le photographe anglais Frederick Scott Archer a publié le procédé au collodion humide.

Le processus de développement de la photographie analogique

La photographie analogique en noir et blanc est créée à l'aide de couches sensibles à la lumière sur des films et du papier qui contiennent des halogénures d'argent. L'ensemble du processus se déroule en plusieurs étapes - de l'exposition du film dans l'appareil photo au développement chimique du négatif jusqu'à la création d'une photographie positive sur papier dans la chambre noire. Le papier utilisé pour la photographie en noir et blanc a une composition similaire à celle du film - une couche de gélatine contenant des halogénures d'argent au dos du papier. Dans la chambre noire, le négatif est placé dans un agrandisseur, qui projette la lumière à travers lui sur le papier support. L'exposition du papier peut être contrôlée par l'ouverture et la durée de la lumière ou par l'utilisation de filtres pour ajuster le contraste. Après l'exposition, le papier subit le même processus chimique que le film : d'abord dans un révélateur, où l'image est développée et apparaît sur le papier en une minute ou deux ; puis dans un bain et un fixateur, qui élimine les halogénures non éclairés et fixe l'image ; et enfin dans l'eau. Après séchage, une image positive permanente correspondant à la scène originale se trouve sur le papier.

L'ensemble du processus de la photographie analogique nécessite du soin et de l'expérience. Le processus de développement est sensible à la température, au temps et au mélange des solutions, car un surdéveloppement du film l'assombrit inutilement, tandis qu'un sous-développement peut entraîner un noircissement progressif de l'image au fil du temps. C'est pourquoi chaque photographe a généralement mis au point une séquence de développement spécifique et ses marques préférées de révélateur. La photographie noir et blanc sur papier qui en résulte est constituée de fines particules d'argent métallique dans la couche de papier. D'une part, ces images argentiques sont assez durables - de nombreuses images du 19e siècle survivent encore en bon état. D'autre part, elles permettent divers autres ajustements de tonalité. Les photographes teintaient souvent les photographies finies en bleu avec des sels de fer pour obtenir un changement d'aspect esthétique ainsi que de meilleures qualités d'archivage. À l'époque où les films couleur n'existaient pas encore, il était également courant de colorer à la main les photographies en noir et blanc ; par exemple, les portraits étaient peints à la main à l'aquarelle pour donner une impression plus authentique.

Dans la photographie en noir et blanc, nous nous concentrons sur le contenu, les formes, la lumière et les sentiments qui y sont associés

Une image en noir et blanc a souvent un effet intemporel - elle évoque des souvenirs et de la nostalgie, car nous associons inconsciemment les vieilles photographies et les films au traitement en noir et blanc. La suppression de la couleur peut augmenter le drame et le contraste, et le jeu de l'ombre et de la lumière est plus prononcé en noir et blanc. Un contraste élevé avec des noirs profonds et des blancs éclatants ajoute de la tension et de la puissance émotionnelle à une scène. À l'inverse, les demi-teintes subtiles et les ombres douces d'une photographie en noir et blanc peuvent évoquer un sentiment de calme ou de tristesse.

La photographie de portrait en noir et blanc a son propre charme

La photographie de portrait en noir et blanc pénètre souvent plus profondément dans l'expression et les émotions du sujet, car les yeux et les expressions du visage parlent avec plus de force. Le photojournaliste canadien Ted Grant (* 1929) a commenté : « Lorsque tu photographies les gens en couleur, tu photographies leurs vêtements. Mais quand tu les photographies en noir et blanc, tu photographies leur âme. » Un portrait en noir et blanc peut révéler le caractère, tandis que les éléments de couleur peuvent détourner l'attention du visage ou des émotions. Un rendu en noir et blanc crée souvent un sentiment d'authenticité et se concentre sur l'essentiel. Des photographies documentaires célèbres, comme les reportages de rue, sont en noir et blanc et leur impact émotionnel est énorme.

Depuis les débuts de la photographie, des débats ont eu lieu pour savoir si elle pouvait être un art

Au 19e siècle, de nombreux peintres ont dénoncé la photographie pour sa nature mécanique - le photographe ne faisait que capturer une image de la réalité à l'aide d'une machine. Au milieu du 19e siècle, des photographes portraitistes tels que Gaspard-Félix Tournachon (* 1820), qui a utilisé le pseudonyme de Nadar tout au long de sa carrière, ont réalisé de magnifiques portraits de personnes célèbres. Nadar est devenu célèbre non seulement en tant qu'innovateur technique - il a par exemple pris les premières photographies aériennes de Paris à partir d'un ballon - mais aussi en tant qu'artiste : ses portraits en studio de l'actrice Sarah Bernhardt (* 1844) et de l'écrivain Victor Hugo (* 1802), par exemple, étaient remarquables pour la profondeur psychologique de leur expression. Leur tonalité en noir et blanc et leur éclairage subtil font ressortir le caractère des sujets et sont encore considérés aujourd'hui comme des chefs-d'œuvre.

Eugène Atget (* 1857) a systématiquement photographié les vieilles rues et les coins de Paris autour de 1900. Ses images, à l'origine conçues comme documentaires, ont finalement captivé les surréalistes par leur vide onirique et sont devenues des œuvres d'art acclamées, en particulier ses images du vieux monde de rues et d'architectures parisiennes vides. Man Ray (* 1890), un artiste américain vivant à Paris, a expérimenté les photogrammes (rayogrammes) et la solarisation - l'exposition directe d'objets sur du papier sensible sans utiliser d'appareil photo. Il a créé des compositions abstraites en noir et blanc qui ont influencé le développement de la photographie en tant que support artistique.

Au tournant des 19e et 20e siècles, un mouvement de pictorialistes est apparu qui cherchait à élever la photographie au niveau de la peinture. Ils utilisaient délibérément des lentilles souples, des papiers spéciaux et des impressions fines pour que leurs photographies en noir et blanc ressemblent à des tableaux. En Bohême, le pictorialisme a été défendu par Karel Novák (* 1875), connu pour ses photographies de paysages rêveurs et romantiques, et Jan Maloch (* 1825). Jan Maloch était à l'origine un peintre de formation académique qui a fait connaissance à Vienne avec la dernière invention de l'époque, le daguerréotype. En 1846-47, il y a suivi une formation professionnelle dans un studio de daguerréotype et est ainsi devenu probablement le premier tchèque à être officiellement formé comme photographe de daguerréotype. Cette formation lui a permis de combiner son talent pour la peinture et la photographie. Il voyait la photographie comme un complément à la peinture et au dessin - un médium qui pouvait élargir les possibilités d'expression artistique, et pas seulement une innovation technique pour la représentation mécanique. Avec ses portraits de personnalités de la culture tchèque, Maloch a capturé non seulement la forme physique, mais aussi souvent l'esprit de l'époque. Outre les portraits, Jan Maloch a également pris des photos de paysages et des photographies documentaires dans l'esprit du romantisme de l'époque.

Les photographes professionnels entretenaient des contacts à travers les pays de la monarchie et participaient à des activités internationales. Maloch était membre de la Société photographique de Vienne (Photographische Gesellschaft in Wien), fondée en 1861 comme l'une des premières associations photographiques d'Europe, qui rassemblait des talents exceptionnels de tout l'empire - outre Maloch, elle comprenait les photographes pragois František Fridrich et Jindřich Eckert, ainsi que d'importants inventeurs comme Karel Klíč. Comme les peintures à l'huile de l'époque, elles étaient mises en scène de manière à ce que la personnalité représentée apparaisse digne et idéalisée. Cela correspond à l'esthétique du pictorialisme, qui recherchait la beauté picturale de la photographie. Bien que le terme pictorialisme ne se soit imposé qu'à la fin du 19e siècle, les photographies de Maloch portaient déjà de nombreuses marques de ce mouvement : le rendu doux des détails (en particulier dans les daguerréotypes colorés à la main), la composition soignée de la scène, l'utilisation d'accessoires et de costumes et, enfin, l'apport considérable de l'auteur (retouches, repeintures).

Le photographe et enseignant Karel Novák a participé à la fondation du studio de photographie de l'école graphique d'État de Prague en 1920. Cette école est devenue un centre de formation pour les photographes. Karel Novák a dirigé le studio de photographie de portrait de l'école pendant 15 ans et a notamment eu pour élève Josef Sudek, qui s'est souvenu de lui comme d'un professeur intelligent et raffiné. En plus de son séjour à Prague, Novák a également enseigné à la Graphische Lehr- und Versuchsanstalt, une école de photographie professionnelle à Vienne, qui était l'une des meilleures d'Europe.

La tendance opposée a également émergé - l'accent mis sur la clarté et la netteté photographiques. Dans les années 1920, les photographes d'avant-garde en Tchécoslovaquie et en France ont créé des œuvres d'art remarquables en utilisant des moyens spécifiquement photographiques - dessin net, angles inhabituels et jeux d'ombre et de lumière.

En Tchécoslovaquie, l'un des innovateurs fut Jaromír Funke, qui créa des natures mortes abstraites à partir de verre et de lumière et utilisa la photographie en noir et blanc pour explorer les formes et les effets de lumière, annonçant ainsi la photographie moderne comme un art indépendant. Après la création d'une Tchécoslovaquie indépendante en 1918, une atmosphère créative régnait dans le pays et les jeunes artistes, y compris les photographes, ressentaient une forte impulsion pour rendre la nouvelle république célèbre grâce à l'art moderne. Il a fait ses premiers pas photographiques à Cologne, documentant le pays avec un appareil photo portatif.

En 1924, il cofonde la Société tchèque de photographie avec Josef Sudek et Adolf Schneeberger, dont l'objectif est de promouvoir des concepts modernes et des « procédés purement photographiques » libérés de l'influence des techniques graphiques. En 1922, il formule sa propre orientation esthétique, qu'il appelle « photogénie », en soulignant la capacité de la photographie à créer la magie picturale de la lumière (dans l'environnement français, le terme similaire de photogénie était utilisé pour le film).

Quelques photographes oubliés

Vilém Horn ( † 1891 ) est l'un des tout premiers photographes des pays tchèques. Né à Česká Lípa, fonctionnaire à l'origine, il tombe sous le charme du daguerréotype après 1839 et commence à s'y consacrer intensivement. En 1854, il fonde le Photographisches Journal en langue allemande, le premier magazine commercial de photographie en Europe, où il rend compte des nouvelles techniques et publie la première liste de prix des fournitures photographiques en Bohême. Horn est le premier à photographier les joyaux de la couronne tchèque en 1857.

Alexander Seik ( † 1905 ) est originaire de Mirotice près de Písek, connu principalement comme spécialiste d'une technique unique appelée chromophotographie, qui consistait à combiner deux photographies identiques - l'une translucide et l'autre colorée - créant ainsi un effet de couleur plastique.

Ignác Šechtl ( † 1911 ), parfois désigné par son nom allemand Ignaz Schächtl, est rapidement devenu une personnalité importante de la Bohême du Sud : il a documenté les habitants dans son studio et les événements de la ville et de ses environs. Peu après la découverte du cinématographe, il a construit son propre projecteur et organisé les premières projections de films (ajoutant même les rayons X comme attraction). Ignaz Schechtl a laissé une œuvre considérable ; plusieurs centaines de milliers de négatifs et de photographies ont survécu jusqu'à aujourd'hui, documentant la vie quotidienne et les moments importants de la région.

Jindřich Wankel ( † 1897 ) plus connu en tant qu'archéologue et spéléologue a trouvé la magie même dans la chambre noire de la photographie. Son appareil parlait aux espaces caverneux du karst morave avec le doux clic de l'obturateur, révélant les ombres et les contours des stalactites qui n'avaient jusqu'alors connu que les flammes des torches. Wankel a photographié la nature et les formations géologiques avec la précision d'un scientifique et le lyrisme d'un poète, chaque image étant une symphonie de pierres et de silence.

Bedřich Anděl ( † 1895 ) à Litoměřice a mélangé de façon magistrale les techniques du daguerréotype et du collodion humide, sa capacité à travailler avec le collodion a donné naissance à des peintures qui étaient en elles-mêmes de petites pièces théâtrales de lumière et de temps.

L'otographie des voyageurs a rapporté des images de régions inconnues

Les premières photographies du Tibet ont été prises par des agents coloniaux et des voyageurs britanniques qui ont souvent réalisé des portraits de Tibétains à la frontière tibétaine, à Darjeeling ou dans des régions reculées de Chine. En 1890, le prince français Henri d'Orléans a pris une série de photographies de nomades tibétains lors d'une expédition dans les régions inconnues du Tibet. L'orientaliste et bouddhiste française Louise Eugénie Alexandrine Marie David (* 1868), pionnière des voyages et de la photographie féminins en Asie, est entrée à Lhassa en 1924. Elle a secrètement photographié Lhassa et ses environs à l'aide d'un petit appareil caché sous ses vêtements. Lorsqu'elle réussit à arriver dans la Lhassa interdite, elle prit quelques rares photos de la ville, des temples et de la vie quotidienne des habitants.

Le milieu du 20e siècle a apporté des images spontanées de personnes dans la vie de tous les jours. À Paris, des photographes comme Henri Cartier-Bresson et Robert Doisneau ont rendu ce genre célèbre. Doisneau est devenu célèbre pour ses clichés poétiques des rues de Paris, comme son fameux baiser sur la place de l'Hôtel-de-Ville. La photographie en noir et blanc a donné à ces moments un style unificateur : elle semble honnête, ne distrait pas de la couleur de l'époque et concentre l'attention sur les émotions et la composition de la scène. Par conséquent, beaucoup d'entre eux sont devenus des symboles artistiques de leur époque.

Un long chemin depuis les premières lentilles

Les premiers jours des objectifs photographiques ont été un voyage des ombres subtiles aux images nettes du monde. Les premiers objectifs du 19ème siècle ressemblaient plus à la vue enneigée d'un télescope qu'à un instrument photographique précis. Lorsque le daguerréotype a vu le jour en 1839, ses lentilles achromatiques permettaient de capturer des images à très longue exposition et à faible ouverture, de l'ordre de f/14. Une étape révolutionnaire a été franchie en 1840, lorsque Joseph Maximilian Petzval a conçu une lentille de verre de f/3,5 qui a littéralement fait entrer la lumière dans la photographie. La conception de Petzval, qui combine harmonieusement des paires achromatiques, réduit radicalement les temps d'exposition et permet aux photographes de capturer des portraits vivants. Cependant, l'objectif ne rendait qu'une petite partie de l'image vraiment nette, et les bords se perdaient dans une teinte douce. Au milieu du 19e siècle, des objectifs tels que l'Aplanat ou le Rectiligne rapide sont apparus, dont la symétrie, rappelant la danse des miroirs du verre, était capable de supprimer la distorsion des lignes et d'augmenter l'angle de vue jusqu'à environ 60°. La fin du 19e siècle est marquée par les objectifs anastigmat, qui promettent une image claire et nette jusqu'aux bords du champ photographique. Le triplet Cooke de 1893 était comme trois gouttes de rosée serties dans du verre : simple, propre et pourtant brillamment net. De même, le Tessar de Zeiss était célèbre pour sa construction en quatre parties, qui parvenait à concilier une grande netteté et un contraste agréable avec l'élégance. Dans la première moitié du 20e siècle, avec le développement des films cinématographiques, des modèles comme le Sonnar de Zeiss ont vu le jour, dont les sept lentilles réparties en plusieurs groupes cimentés laissaient passer une quantité de lumière sans précédent à des ouvertures allant jusqu'à f/1,5. L'image du Sonnar était pleine de contrastes, de vibrations et d'une douceur de rêve en arrière-plan - un outil idéal pour les photographes de reportage. L'avènement des revêtements antireflets dans les années 1930 et 1940 a permis une autre avancée. Des objectifs comme le Planar, qui souffraient encore de flare, se sont soudain épanouis dans toute la beauté de leurs conceptions d'origine. Ils ont augmenté la transparence et la clarté des images, ouvrant la voie à des réseaux de lentilles multiples plus complexes qui offraient une netteté parfaite avec des ouvertures ouvertes et des défauts optiques minimes. Au tournant des années 1940 et 1950, une autre innovation majeure a vu le jour : les lentilles rétrofocales. Le rétrofocus français Angénieux a rendu possible l'utilisation d'objectifs grand angle sur les appareils photo reflex et est devenu un symbole de la vision moderne du monde. Le fabricant autrichien d'objectifs Voigtländer est l'un des plus anciens fabricants d'optiques photographiques au monde et était connu pour la précision de ses objectifs mécaniques.Le premier objectif pour la photographie a été produit dès 1840, lorsque Josef Max Petzval a conçu le célèbre « objectif de Petzval » pour Voigtländer, qui réduisait considérablement le temps d'exposition. L'objectif Petzval a été le premier objectif de portrait lumineux de l'histoire de la photographie, permettant de prendre un portrait en quelques secondes au lieu de quelques minutes. L'objectif se caractérisait par une grande ouverture (environ f/3,6), un centre net et un flou nettement doux en périphérie, ce qui est toujours apprécié par les photographes utilisant des techniques anciennes et des adaptations modernes d'objectifs historiques. En 1956, Voigtländer, dont le siège était à l'origine à Vienne et qui a ensuite été transféré à Braunschweig, en Allemagne, a été racheté par Zeiss Ikon. Après cela, la production sous sa forme originale en Autriche a cessé, mais la marque continue d'appartenir à la société japonaise Cosina.

Pellicules photographiques

Depuis les débuts des émulsions à la gélatine, les halogénures d'argent appliqués sur des bandes de film flexibles ont dominé la photographie. En République tchèque, les marques Fomapan et Neobrom, connues pour leur honnête qualité d'Europe centrale, ont gagné en popularité. Le Fomapan, produit à partir des années 1920 par Fotochema (aujourd'hui Foma Bohemia), avait une poésie de tons gris doux, un grain caressant et la capacité de dessiner des images d'une douceur mélancolique, tout en capturant les moindres détails. Le Fomapan 100 était également un favori pour son équilibre entre grain fin et sensibilité à la lumière, tandis que le Fomapan 400 séduisait par sa capacité à voir en basse lumière, en tissant à travers l'image un grain fin comme le sable dans le vent. Ailleurs, des films légendaires comme le Kodak Tri-X et le Ilford HP5, avec leur flexibilité et leur large gamme de tons, offraient aux photographes la possibilité de capturer des moments fugaces de la vie quotidienne et des jeux dramatiques d'ombre et de lumière avec immédiateté. Dans la seconde moitié du 20e siècle, après l'avènement des films en couleur, de nombreux artistes ont encore délibérément opté pour une esthétique en noir et blanc. Depuis plus d'un siècle et demi, la photographie en noir et blanc a gagné une place irremplaçable dans le monde de l'art. À l'ère du numérique, la photographie en noir et blanc est toujours vivante : de nouveaux projets en noir et blanc voient le jour et des photographes organisent des expositions d'images développées à la main. Que la photographie en noir et blanc soit utilisée comme outil documentaire ou artistique, elle fait appel à la fois à l'émotion et à l'esthétique. Son histoire est liée au développement technique du procédé analogique, et la magie de la lumière capturée dans les nuances de gris continuera à fasciner des générations de spectateurs et de créateurs.

Les premières photographies sont granuleuses et indistinctes. Les gens apparaissent à peine sur ces premières photos ; lorsqu'ils clignotent dans la rue, ils sont trop éphémères pour être capturés par la lenteur de l'exposition. Pour la première fois, on pouvait regarder une image fidèle de la réalité capturée par la lumière elle-même - pas de main de peintre, pas de déformation de l'imagination, juste une empreinte de la réalité. Cette nouvelle image a changé notre rapport au monde : nous avons réalisé que l'instant pouvait perdurer. La photographie est soudain devenue partie intégrante de la vie - un objet dans lequel l'ombre et la lumière se transforment en un souvenir durable. Appareil photo en main, on a commencé à apprendre à regarder d'une nouvelle manière. On observe les reflets du soleil sur la surface de l'eau, le dessin des ombres sur les pavés de la rue, et on sait que l'on peut capturer et préserver ces images fugaces. Le monde à travers l'objectif a un cadrage différent : il devient une composition, une image que nous choisissons et créons consciemment. Ensuite, dans la chambre noire, les contours et les formes émergent lentement sur le papier vierge dans un bac de fixateur. La photographie devient également un art d'expression, offrant de nouveaux angles de vision : à un moment, une photographie ressemble à un rêve flou, à un autre à une vérité tranchante. La photographie peut être poétique en elle-même : une goutte de rosée sur une toile d'araignée se transforme en bijou, la silhouette d'un arbre solitaire à l'horizon raconte une histoire de détermination. Une photographie devient une mémoire de l'humanité, stockée dans les archives des journaux et dans les boîtes familiales au grenier. Ce sont des images dans lesquelles la lumière prend vie - le rayon de soleil sur la vieille photo est le même que celui qui tombait sur le visage de nos ancêtres à l'époque. En regardant les photographies, des émotions émergent : mélancolie, étonnement, émotion. Après un premier siècle d'existence, la photographie n'est plus une nouveauté ou un simple passe-temps pour quelques passionnés. Elle est omniprésente - des grands événements aux moments les plus intimes. Grâce à elle, l'homme a développé un nouveau rapport au monde : il sait qu'aucun instant n'est si fugace qu'il ne puisse être préservé.

En plus d'un siècle et demi, la photo en noir et blanc a trouvé sa place dans le monde de l'art. Même à l'ère du numérique, elle reste bien vivante et les photographes organisent encore des expositions de photos développées à la main. De l'héliotype granuleux sur plaque d'étain, l'image en noir et blanc a connu plein de changements. Qu'elle soit utilisée comme outil documentaire ou artistique, la photo en noir et blanc touche à la fois les émotions et l'esthétique. Son histoire est liée à l'évolution technique du procédé analogique et la magie de la lumière capturée dans des nuances de gris continuera de fasciner les générations de spectateurs et de créateurs. Son histoire est étroitement liée à l'évolution technique du procédé analogique.