Die älteste erhaltene Fotografie der Welt ist der Blick aus dem Fenster in Le Gras (1826) des französischen Erfinders Nicéphore Niépce. Die Aufnahme erforderte eine Belichtungszeit von ungefähr acht Stunden, weshalb die Gebäude von beiden Seiten von der Sonne beleuchtet erscheinen. Schwarzweißmaterial dominierte die ersten rund 125 Jahre der Fotografiegeschichte. Fotografien flüstern heute leise vom Mut der ersten Schöpfer, die den Zauber des Bildes aus Licht erschufen.
Im Dämmerlicht des Morgengrauens sehen wir das erste geflüsterte Versprechen der Ewigkeit: den Blick aus dem Fenster in Le Gras. Gerade jene neblige Unbestimmtheit, jene Unvollkommenheit, die Dächer und Mauern in formlose Formen verwandelt, verleiht der Aufnahme eine Aura des Unfassbaren. Der Blick nach Le Gras atmet die Melancholie eines vergessenen Morgens. Darin liegt das wahre Wesen der Fotografie: die Fähigkeit, einen Augenblick im Moment seines Entstehens festzuhalten. Niépces Fotografie ist eine stille Sinfonie des Rauschens.
Nicéphore Niépce († 1833) wurde in Chalon-sur-Saône in Frankreich in eine wohlhabende Familie geboren – sein Vater war Verwalter der Güter von König Ludwig XV. Ursprünglich wurde er auf den Namen Joseph getauft, später nahm er den Namen Nicéphore an. Zu Beginn des 19. Jahrhunderts entstand eine Begeisterung für neue Reproduktionstechniken von Bildern. 1813 verbreitete sich in Frankreich die Kunst der Lithografie, die es ermöglichte, Zeichnungen von Stein zu drucken. Niépce, fasziniert von dieser Technik, begann sie zu studieren. Zur Übertragung der Entwürfe wurde häufig die Camera obscura verwendet, ein optisches Gerät, das ein reales Bild auf eine Fläche projizierte, von der der Künstler es nachzeichnete. Niépce war jedoch mit den Ergebnissen des manuellen Abzeichnens des umgekehrten Bildes aus der Camera obscura nicht zufrieden und suchte nach einem Weg, das Bild in der dunklen Kammer dauerhaft und automatisch festzuhalten. Diese Idee führte ihn zu einer Reihe von Experimenten mit verschiedenen lichtempfindlichen Materialien.
Niépce verwendete eine Zinnplatte, die mit einer Schicht Asphalt überzogen war; an den belichteten Stellen härtete sie aus, während sie an den unbelichteten Stellen nach vielen Stunden Sonneneinwirkung abgewaschen werden konnte. Dieses Verfahren nannte er Heliografie, also „Sonnenzeichnung“. Das entstandene Bild erforderte eine extrem lange Belichtungszeit von etwa acht Stunden, doch Niépce bewies, dass es möglich war, ein Bild dauerhaft mit dem Objektiv einer Kamera festzuhalten. Später arbeitete Niépce mit dem Franzosen Louis Daguerre zusammen, der nach Niépces Tod im Jahr 1833 die Verbesserung des fotografischen Verfahrens fortsetzte. Louis Jacques Mandé Daguerre machte eine entscheidende Entdeckung: Er stellte fest, dass ein ursprünglich unsichtbares Bild, das auf einer empfindlichen Schicht festgehalten war, durch eine verkürzte Belichtung und die Einwirkung von Quecksilberdämpfen entwickelt werden konnte. 1839 stellte Louis Daguerre sein Verfahren vor, die sogenannte Daguerreotypie. Sie ermöglichte deutlich kürzere Belichtungszeiten, in der Größenordnung von Minuten statt Stunden, und lieferte detailreichere Ergebnisse. Die Daguerreotypie erzeugte ein Bild auf einer Silberplatte; das Ergebnis war ein einzigartiges, hochglänzendes Original, das damals den Beinamen „Gedächtnisspiegel“ erhielt. Das Bild war empfindlich, musste hinter Glas aufbewahrt werden und erschien spiegelverkehrt. Der größte Nachteil bestand darin, dass es kein Negativ gab – jede Daguerreotypie war ein Unikat und ließ sich nicht reproduzieren.
Im Jahr 1839 verbreitete sich die Nachricht von Daguerres Erfindung rasch in der ganzen Welt, auch in Böhmen. Die Zeitung Bohemia veröffentlichte am 27. Januar 1839 die erste Meldung über das „Malen mit Licht“, und noch im selben Jahr erschienen in Böhmen die ersten Daguerreotypien. Eine von ihnen – Daguerres Fotografie des Kuriositätenkabinetts von Fürst Metternich – wird bis heute auf Schloss Kynžvart aufbewahrt. Louis Jacques Mandé Daguerre widmete sie dem österreichischen Kanzler Klemens Wenzel von Metternich noch vor der offiziellen Bekanntgabe seiner Entdeckung der Daguerreotypie. Auf der Rückseite der Aufnahme befindet sich eine handschriftliche Notiz von Kanzler Metternich. Diese Tatsache macht die Fotografie zu einem einzigartigen historischen Dokument, das nicht nur die frühe Geschichte der Fotografie, sondern auch die kulturellen Beziehungen jener Zeit belegt. Sie ist nicht nur aufgrund ihres Alters außergewöhnlich, sondern auch wegen ihres Erhaltungszustands und ihrer ursprünglichen Montage.
Ein weiteres Beispiel ist das Familienporträt des Grafen Chotek und seiner Familie aus dem November 1839. Es handelt sich um eine der ersten Fotografien, die in den böhmischen Ländern aufgenommen wurden. Die Belichtung dauerte damals mehrere Minuten, sodass die fotografierte Person lange bewegungslos posieren musste. Kurz nach der Daguerreotypie entwickelte der Engländer William Henry Fox Talbot ein alternatives Verfahren namens Kalotypie (1841). Er verwendete als Erster das Prinzip des Papiernegativs, von dem sich durch Kontaktdruck beliebig viele positive Kopien herstellen ließen.
Um 1847 verwendete Abel Niépce de Saint-Victor, ein Neffe Nicéphore Niépces, eine mit Eiweiß und Silberhalogeniden beschichtete Glasplatte; dieses Albuminverfahren erforderte jedoch sehr lange Belichtungszeiten. Der Durchbruch kam 1851, als der englische Fotograf Frederick Scott Archer das nasse Kollodiumverfahren veröffentlichte.
Negativ und Positiv ermöglichten die Vervielfältigung von Bildern, die bei Daguerreotypien fehlte. In der Praxis hatte die Kalotypie jedoch eine begrenzte Auflösung und Feinheit. In den 1850er Jahren wurde sie daher vom Kollodium- oder Nassplattenverfahren überholt, das der Engländer Frederick Scott Archer erfand. Es verwendete Glasplatten, die mit einer lichtempfindlichen Schicht aus nassem Kollodium überzogen waren. Das Nassplattenverfahren verband die Vorteile von Schärfe und Reproduzierbarkeit – das Ergebnis war ein Glasnegativ, von dem scharfe Positive auf Papier angefertigt werden konnten. Der Nachteil bestand darin, dass die Platte unmittelbar nach der Belichtung noch im feuchten Zustand entwickelt werden musste; das zwang Fotografen dazu, im Gelände tragbare Dunkelkammern und Chemikalien mitzuführen.
Ende der 1870er Jahre erschien das sogenannte Trockenverfahren – Gelatinetrockenplatten mit Silberbromid (Negative), die nicht sofort verarbeitet werden mussten. Diese Erfindung vereinfachte das Fotografieren schrittweise: Trockenplatten konnten im Voraus hergestellt und gelagert werden. Anfangs waren sie weniger empfindlich und stärker gekörnt als das nasse Kollodiumverfahren, doch ihre schnelle Entwicklung verbesserte ihre Qualität so sehr, dass sie das Nassplattenverfahren bis 1880 vollständig verdrängten. Danach folgte der Durchbruch in Form des Rollfilms auf flexibler Zelluloidunterlage, den die Eastman Kodak Company 1888 vorstellte. Mit dem Slogan „Sie drücken den Auslöser, wir erledigen den Rest“ ermöglichte Kodak den Gebrauch leichter, tragbarer Kameras und die massenhafte Verbreitung der Fotografie. In Europa erfreuten sich Kameras für 35-mm-Film rasch großer Beliebtheit, die Oskar Barnack (Leica) in den 1920er Jahren vorstellte.
James Clerk Maxwell führte das Prinzip der dreistufigen Farbprojektion bereits 1861 vor, doch ein praktisch nutzbares Farbmaterial erschien erst später – die Autochromplatten der Brüder Lumière (1907). Sie verwendeten winzige Farbfilter aus Stärke; wegen ihrer geringen Lichtempfindlichkeit und der komplizierten Verarbeitung blieb die Farbfotografie jedoch lange eine Kuriosität. Erst Anfang der 1950er Jahre begann sich die Farbfotografie breiter durchzusetzen. Bis zur Mitte des 20. Jahrhunderts war Schwarzweißfotografie der Standard für Journalisten, Künstler und Amateure.
Der französische Fotograf Henri Cartier-Bresson fotografierte fast ausschließlich in Schwarzweiß und war der Ansicht, dass Farbe in der Fotografie ablenken könne: „Farbe verleugnet alle dreidimensionalen Werte der Fotografie“, sagte Cartier-Bresson.
In der Tschechoslowakei war Farbfotografie bis in die 1980er Jahre aus praktischen Gründen weniger verbreitet – Farbfilme und Chemikalien waren teurer und schwerer zugänglich. Die meisten Amateure und Profis arbeiteten in den 1960er und 1970er Jahren weiterhin schwarzweiß und entwickelten Filme zu Hause in der Dunkelkammer.
Analoge Schwarzweißfotografie entsteht mithilfe lichtempfindlicher Schichten auf Film und Papier, die Silberhalogenide enthalten. Der gesamte Prozess verläuft in mehreren Phasen – von der Belichtung des Films in der Kamera über die chemische Entwicklung des Negativs bis zur Herstellung eines positiven Fotos auf Papier in der Dunkelkammer. Das für Schwarzweißfotografie verwendete Papier hat eine ähnliche Zusammensetzung wie Film: Auf der Rückseite des Papiers befindet sich eine Gelatineschicht mit Silberhalogeniden. In der Dunkelkammer wird das Negativ in den Vergrößerer eingesetzt, der Licht durch das Negativ auf das Trägerpapier projiziert. Die Belichtung des Papiers lässt sich durch Blende und Dauer des Lichts oder durch Filter zur Kontraststeuerung regulieren. Nach der Belichtung durchläuft das Papier denselben chemischen Prozess wie der Film: zunächst in den Entwickler, wo das Bild entsteht und nach ein oder zwei Minuten auf dem Papier sichtbar wird; anschließend in Stoppbad und Fixierer, der unbelichtetes Halogenid entfernt und das Bild fixiert; und schließlich ins Wasser. Nach dem Trocknen befindet sich auf dem Papier ein dauerhaftes positives Bild, das der ursprünglichen Szene entspricht.
Der gesamte Prozess der analogen Fotografie erfordert Sorgfalt und Erfahrung. Die Entwicklung ist empfindlich gegenüber Temperatur, Zeit und Bewegung der Lösungen, denn bei übermäßiger Entwicklung wird der Film unnötig dunkel, während bei unzureichender Entwicklung das Bild mit der Zeit allmählich nachdunkeln kann. Jeder Fotograf entwickelte daher meist eine eigene Abfolge der Verarbeitung und bevorzugte bestimmte Entwicklermarken. Die fertige Schwarzweißfotografie auf Papier besteht aus feinen Teilchen metallischen Silbers in der Papierschicht. Diese Silberbilder sind einerseits recht haltbar – viele Aufnahmen aus dem 19. Jahrhundert sind bis heute in gutem Zustand erhalten. Sie ermöglichen außerdem verschiedene tonale Nachbearbeitungen. Fotografen tönten fertige Fotografien häufig mit Eisensalzen bläulich, um sowohl die ästhetische Wirkung zu verändern als auch bessere Archivierungseigenschaften zu erzielen. In der Zeit vor dem Farbfilm war auch das manuelle Kolorieren von Schwarzweißfotografien üblich; Porträts wurden etwa mit Aquarellfarben von Hand bemalt, damit sie authentischer wirkten.
Ein Schwarzweißbild wirkt oft zeitlos – es weckt das Gefühl von Erinnerungen und Nostalgie, weil wir alte Fotografien und Filme unbewusst mit Schwarzweiß verbinden. Das Entfernen der Farben kann Dramatik und Kontrast erhöhen, und das Spiel von Licht und Schatten tritt in Schwarzweiß stärker hervor. Hoher Kontrast mit tiefem Schwarz und hellem Weiß verleiht einer Szene Spannung und emotionale Kraft. Sanfte Halbtöne und weiche Schatten in einer Schwarzweißfotografie können dagegen Ruhe oder Traurigkeit hervorrufen.
Schwarzweiße Porträtfotografie dringt oft tiefer in Ausdruck und Emotionen der fotografierten Person ein, weil Augen und Mimik stärker sprechen. Der kanadische Fotojournalist Ted Grant († 2020) sagte dazu: „Wenn man Menschen in Farbe fotografiert, fotografiert man ihre Kleidung. Fotografiert man sie aber in Schwarzweiß, fotografiert man ihre Seele.“ Ein Schwarzweißporträt kann Charakter offenbaren, während farbige Elemente von Gesicht oder Emotionen ablenken können. Die schwarzweiße Darstellung erzeugt häufig ein Gefühl von Authentizität und richtet den Blick auf das Wesentliche. Berühmte dokumentarische Fotografien, etwa Straßenszenen, sind schwarzweiß, und ihre emotionale Wirkung ist enorm.
Im 19. Jahrhundert lehnten viele Maler die Fotografie wegen ihres mechanischen Charakters ab – der Fotograf erfasse lediglich mithilfe einer Maschine das Bild der Wirklichkeit. Mitte des 19. Jahrhunderts schufen Porträtfotografen wie Gaspard-Félix Tournachon († 1910), der während seiner gesamten Karriere das Pseudonym Nadar verwendete, großartige Porträts berühmter Persönlichkeiten. Nadar wurde nicht nur als technischer Innovator berühmt – er fertigte zum Beispiel die ersten Luftaufnahmen von Paris aus einem Ballon an –, sondern auch als Künstler: Seine Atelierporträts der Schauspielerin Sarah Bernhardt († 1923) und des Schriftstellers Victor Hugo († 1885) waren etwa bemerkenswert durch ihre psychologische Ausdruckstiefe. Ihre Schwarzweißtonalität und die feine Beleuchtung heben den Charakter der dargestellten Personen hervor und gelten bis heute als Meisterwerke.
Eugène Atget († 1927) fotografierte um 1900 systematisch alte Pariser Straßen und Winkel. Seine ursprünglich dokumentarisch gedachten Aufnahmen faszinierten schließlich die Surrealisten durch ihre traumhafte Leere und wurden als Kunst anerkannt, besonders seine altertümlich wirkenden Aufnahmen leerer Pariser Straßen und Architektur. Man Ray (1976), ein amerikanischer Künstler, der in Paris lebte, experimentierte mit Fotogrammen (Rayogrammen) und Solarisation – der direkten Belichtung von Gegenständen auf lichtempfindlichem Papier ohne Verwendung einer Kamera. Er schuf abstrakte Schwarzweißkompositionen, die die Entwicklung der Fotografie als künstlerisches Medium beeinflussten.
An der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert entstand die Bewegung der Piktorialisten, die die Fotografie auf die Ebene der Malerei erheben wollten. Sie verwendeten bewusst weiche Objektive, spezielle Papiere und feine Druckverfahren, damit ihre Schwarzweißfotografien wie Gemälde wirkten. In Böhmen widmeten sich dem Piktorialismus Karel Novák († 1950), bekannt für verträumte und romantisierende Landschaftsfotografien, und Jan Maloch († 1911). Jan Maloch war ursprünglich ein akademisch ausgebildeter Maler, der in Wien mit der neuesten Erfindung seiner Zeit, der Daguerreotypie, in Berührung kam. In den Jahren 1846–1847 absolvierte er dort eine Fachausbildung in einem daguerreotypischen Atelier und wurde damit vermutlich der erste Tscheche, der offiziell als Fotograf-Daguerreotypist ausgebildet wurde. Diese Schulung verband sein malerisches Talent mit der Fotografie. Er verstand das Fotografieren als Ergänzung zu Malerei und Zeichnung – als Medium, das die Möglichkeiten des künstlerischen Ausdrucks erweitern kann, nicht nur als technische Neuheit für mechanische Abbildungen. Mit seinen Porträts von Persönlichkeiten der tschechischen Kultur hielt Maloch nicht nur die physische Erscheinung fest, sondern oft auch den Geist der Zeit. Neben Porträts widmete sich Jan Maloch der Landschafts- und Dokumentarfotografie im Geist der Romantik seiner Zeit. Seine frühen Prager Aufnahmen gehören zu den ältesten Fotografien der Stadt.
Professionelle Fotografen pflegten Kontakte über die Länder der Monarchie hinweg und nahmen an internationalen Aktivitäten teil. Maloch war Mitglied der Photographischen Gesellschaft in Wien, die 1861 als eine der ersten fotografischen Vereinigungen Europas gegründet wurde. Diese Gesellschaft vereinte außergewöhnliche Talente aus der gesamten Monarchie – neben Maloch gehörten ihr etwa die Prager Fotografen František Fridrich und Jindřich Eckert sowie bedeutende Erfinder wie Karel Klíč an. Ähnlich wie Ölgemälde jener Zeit wurden die Aufnahmen inszeniert, damit die dargestellte Persönlichkeit würdevoll und idealisiert erschien. Dies entspricht der Ästhetik des Piktorialismus, der nach malerischer Schönheit in der Fotografie strebte. Obwohl sich der Begriff Piktorialismus erst Ende des 19. Jahrhunderts durchsetzte, trugen Malochs Fotografien bereits viele Merkmale dieser Richtung: eine weiche Wiedergabe von Details (insbesondere bei handkolorierten Daguerreotypien), sorgfältige Bildkomposition, den Einsatz von Requisiten und Kostümen und nicht zuletzt eine deutliche persönliche Handschrift des Autors (Retuschen, Übermalungen).
Der Fotograf und Pädagoge Karel Novák beteiligte sich 1920 an der Gründung des Fotoateliers an der Staatlichen Graphischen Schule in Prag. Diese Schule wurde zu einem Zentrum der Fotografenausbildung. Karel Novák leitete dort 15 Jahre lang das Atelier für Porträtfotografie; zu seinen Schülern gehörte zum Beispiel Josef Sudek, der sich an ihn als intelligenten und vornehmen Pädagogen erinnerte. Neben seiner Tätigkeit in Prag unterrichtete Novák auch an der Graphischen Lehr- und Versuchsanstalt in Wien, die zu den besten Einrichtungen ihrer Art in Europa zählte.
Es zeigten sich auch entgegengesetzte Tendenzen – der Nachdruck auf fotografische Reinheit und Schärfe. In den 1920er Jahren schufen avantgardistische Fotografen in der Tschechoslowakei und in Frankreich bemerkenswerte Kunstwerke, die spezifisch fotografische Mittel nutzten: scharfe Zeichnung, ungewöhnliche Blickwinkel sowie das Spiel von Licht und Schatten.
In der Tschechoslowakei gehörte Jaromír Funke zu den Innovatoren. Er schuf abstrakte Stillleben aus Glas und Licht und untersuchte mithilfe der Schwarzweißfotografie Formen und Lichteffekte, womit er die moderne Fotografie als eigenständige Kunstform vorwegnahm. Nach der Gründung der unabhängigen Tschechoslowakei im Jahr 1918 herrschte im Land eine schöpferische Atmosphäre, und junge Künstler, darunter Fotografen, verspürten einen starken Impuls, die neue Republik durch moderne Kunst bekannt zu machen. Seine ersten fotografischen Schritte unternahm er in Kolín, das er mit einer Handkamera dokumentierte.
1924 gründete er gemeinsam mit Josef Sudek und Adolf Schneeberger die Tschechische Fotografische Gesellschaft mit, deren Ziel es war, eine moderne Auffassung und „rein fotografische Prozesse“ durchzusetzen, die frei vom Einfluss grafischer Techniken waren. Die Tschechische Fotografische Gesellschaft wollte sich vom Piktorialismus lösen und die Fotografie zu einer vollwertigen modernen Kunst erheben. 1922 formulierte Funke seine eigene ästhetische Richtung, die er „Fotogenismus“ nannte – damit betonte er die Fähigkeit der Fotografie, den bildhaften Zauber des Lichts zu erschaffen (im französischen Umfeld wurde der ähnliche Begriff photogénie für den Film verwendet). Funke wollte damit ausdrücken, dass die Fotografie auf ihrer eigenen bildnerischen Qualität beruhen soll, statt Malerei nachzuahmen.
Vilém Horn († 1891) gehört zu den allerersten Fotografen in den böhmischen Ländern. Der aus Česká Lípa stammende, ursprünglich als Bauamtsbeamter tätige Horn erlag nach 1839 dem Zauber der Daguerreotypie und begann, sich ihr intensiv zu widmen. 1854 gründete er die deutschsprachige Zeitschrift Photographisches Journal, das erste fotografische Fachmagazin Europas, in dem er über technische Neuerungen berichtete und auch die erste Preisliste für Fotobedarf in Böhmen veröffentlichte. Horn fotografierte 1857 als Erster die böhmischen Krönungsinsignien.
Alexander Seik († 1905) stammte aus Mirotice bei Písek und ist vor allem als Spezialist für die einzigartige Technik der Chromofotografie bekannt. Sie beruhte auf der Kombination zweier identischer Fotografien – einer transparenten und einer kolorierten –, wodurch ein plastischer Farbeffekt entstand.
Ignác Šechtl († 1911), gelegentlich unter dem deutschen Namen Ignaz Schächtl geführt, wurde in Südböhmen bald zu einer bedeutenden Persönlichkeit: Er dokumentierte die örtliche Bevölkerung in seinem Atelier sowie Ereignisse in der Stadt und ihrer Umgebung. Kurz nach der Entdeckung des Kinematografen baute er einen eigenen Projektor und veranstaltete die ersten Filmvorführungen; als Attraktion fügte er sogar Röntgenaufnahmen hinzu. Ignác Šechtl hinterließ ein umfangreiches Werk; mehrere hunderttausend Negative und Fotografien sind bis heute erhalten und dokumentieren das Alltagsleben sowie wichtige Momente der Region.
Jindřich Wankel († 1897), besser bekannt als Archäologe und Speläologe, entdeckte auch den Zauber der Dunkelkammer. Sein Apparat sprach zu den Höhlenräumen des Mährischen Karsts mit einem leisen Klicken des Verschlusses und enthüllte Schatten und Konturen von Tropfsteinen, die zuvor nur das Licht der Fackeln gekannt hatten. Wankel fotografierte Natur und geologische Formationen mit der Präzision eines Wissenschaftlers und der Lyrik eines Dichters; jede Aufnahme war eine Sinfonie aus Stein und Stille.
Bedřich Anděl († 1895) mischte in Litoměřice meisterhaft die Techniken der Daguerreotypie und des nassen Kollodiums; seine Fähigkeit, mit Kollodium zu arbeiten, brachte Bilder hervor, die für sich genommen kleine Theaterstücke aus Licht und Zeit waren.
Die ersten Fotografien Tibets wurden von britischen Kolonialagenten und Reisenden aufgenommen, die häufig Porträts von Tibetern an den tibetischen Grenzen, in Darjeeling oder in abgelegenen Regionen Chinas anfertigten. 1890 schuf der französische Prinz Henri d’Orléans während einer Expedition in unbekannte Gebiete Tibets eine Serie von Fotografien tibetischer Nomaden. Die französische Orientalistin und Buddhistin Alexandra David-Neel († 1969), eine Pionierin des weiblichen Reisens und Fotografierens in Asien, gelangte 1924 nach Lhasa. Sie fotografierte Lhasa und seine Umgebung heimlich mit einer kleinen Kamera, die sie unter der Kleidung verborgen trug. Als es ihr gelang, das verbotene Lhasa zu erreichen, machte sie einige seltene Aufnahmen der Stadt, der Tempel und des Alltagslebens ihrer Bewohner.
Die Mitte des 20. Jahrhunderts brachte spontane Aufnahmen von Menschen im Alltag. In Paris machten Fotografen wie Henri Cartier-Bresson und Robert Doisneau dieses Genre berühmt. Doisneau wurde durch seine poetischen Ansichten der Pariser Straßen bekannt, etwa durch den berühmten Kuss am Place de l’Hôtel-de-Ville. Die Schwarzweißfotografie verlieh diesen Momentaufnahmen einen einheitlichen Stil: Sie wirken aufrichtig, lenken nicht durch die Farbigkeit der Zeit ab und konzentrieren die Aufmerksamkeit auf Emotion und Bildkomposition. Dadurch wurden viele von ihnen zu künstlerischen Symbolen ihrer Epoche.
Die Anfänge fotografischer Objektive waren ein Weg von zarten Schatten zum scharfen Bild der Welt. Die ersten Objektive des 19. Jahrhunderts erinnerten in ihren Eigenschaften eher an den träumerischen Blick eines Fernrohrs als an ein präzises fotografisches Instrument. Als 1839 das daguerreotypische Objektiv das Licht der Welt erblickte, ermöglichten seine achromatischen Linsen die Aufnahme eines Bildes bei sehr langen Belichtungszeiten und geringer Lichtstärke von etwa f/14. Damals war das Bild eher eine magische Impression als eine genaue Reproduktion der Wirklichkeit.
Ein revolutionärer Meilenstein war das Jahr 1840, als Josef Maximilian Petzval aus Glas ein Objektiv mit einer Lichtstärke von f/3,5 schuf, das buchstäblich Licht in die Fotografie ließ. Petzvals Konstruktion, die achromatische Doppellinsen harmonisch verband, verkürzte die Belichtungszeiten radikal und erlaubte Fotografen, lebendige Porträts festzuhalten. Dennoch zeichnete das Objektiv nur einen engen Teil des Bildes wirklich scharf, während die Ränder in einem weichen Hauch verschwammen. Mitte des 19. Jahrhunderts erschienen Objektive wie Aplanat oder Rapid Rectilinear, die mit ihrer Symmetrie, einem Spiegeltanz des Glases gleich, Linienverzerrungen unterdrücken und den Bildwinkel auf etwa 60° erhöhen konnten. Das Ende des 19. Jahrhunderts gehörte den Anastigmaten – Objektiven, die ein sauberes und scharfes Bild bis an die Ränder des fotografischen Feldes versprachen. Das Cooke-Triplet von 1893 war wie drei Tautropfen im Glas: einfach, klar und dennoch brillant scharf. Ebenso wurde Zeiss’ Tessar für seine viergliedrige Konstruktion berühmt, die hohe Schärfe und angenehmen Kontrast elegant ausbalancierte.
In der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts entstanden mit der Entwicklung des Kleinbildfilms Konstruktionen wie der Sonnar von Zeiss, dessen sieben Linsen in mehreren verkitteten Gruppen bei einer Blende von bis zu f/1,5 außergewöhnlich viel Licht durchließen. Das Bild des Sonnars war voller Kontrast, Lebendigkeit und verträumter Weichheit im Hintergrund – ein ideales Werkzeug für Reportagefotografen. Das Aufkommen von Antireflexbeschichtungen in den 1930er und 1940er Jahren brachte einen weiteren Wendepunkt. Objektive wie der Planar, die zuvor unter Reflexionen litten, erblühten plötzlich in der ganzen Schönheit ihrer ursprünglichen Entwürfe. Sie erhöhten die Transparenz und Klarheit der Aufnahmen und öffneten den Weg für komplexere mehrlinsige Systeme, die bei offener Blende vollkommene Schärfe und minimale optische Fehler boten. Der Übergang von den 1940er zu den 1950er Jahren brachte noch eine weitere bedeutende Innovation – Retrofokus-Objektive. Das französische Angénieux Retrofocus ermöglichte den Einsatz von Weitwinkelobjektiven an Spiegelreflexkameras und wurde zum Symbol eines modernen Blicks auf die Welt.
Der österreichische Objektivhersteller Voigtländer gehört zu den ältesten Herstellern fotografischer Optik weltweit und war für präzise mechanische Objektivkonstruktionen bekannt. Das erste Objektiv für die Fotografie fertigte das Unternehmen bereits 1840, als Josef Max Petzval für Voigtländer das berühmte „Petzval-Objektiv“ entwarf, das die Belichtungszeit erheblich verkürzte. Das Petzval-Objektiv war das erste lichtstarke Porträtobjektiv in der Geschichte der Fotografie; dadurch ließ sich ein Porträt in wenigen Sekunden statt in Minuten aufnehmen. Das Objektiv zeichnete sich durch hohe Lichtstärke (etwa f/3,6), scharfe Zeichnung in der Bildmitte und deutlich weiche Unschärfe an den Rändern aus, was Fotografen, die alte Technik oder moderne Adaptionen historischer Objektive verwenden, bis heute schätzen. 1956 wurde die Firma Voigtländer, ursprünglich in Wien ansässig und später nach Deutschland (Braunschweig) verlegt, von Zeiss Ikon gekauft. Danach endete die Produktion in ihrer ursprünglichen Form in Österreich; die Marke existiert jedoch weiter und gehört der japanischen Firma Cosina.
Seit den Anfängen der Gelatineemulsionen dominierten Silberhalogenide, auf flexible Filmstreifen aufgetragen, die Fotografie. In Böhmen wurden Filme der Marken Fomapan und Neobrom beliebt, bekannt für ihre solide mitteleuropäische Qualität. Fomapan, seit den 1920er Jahren von Fotochema (heute Foma Bohemia) hergestellt, trug die Poesie feiner Grautöne, eine sanfte Körnigkeit und die Fähigkeit in sich, Bilder mit melancholischer Weichheit zu zeichnen und zugleich selbst kleinste Details festzuhalten. Besonders beliebt war Fomapan 100 wegen seines Gleichgewichts zwischen feinem Korn und Lichtempfindlichkeit, während Fomapan 400 durch seine Fähigkeit lockte, bei schwachem Licht zu sehen und das Bild mit feiner Körnung wie Sand im Wind zu durchweben. In anderen Ländern wurden Filme wie Kodak Tri-X oder Ilford HP5 legendär; mit ihrer Flexibilität und ihrem großen Tonwertumfang boten sie Fotografen die Möglichkeit, flüchtige Momente des Alltags ebenso wie dramatische Spiele von Licht und Schatten rasch festzuhalten. In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts wählten viele Künstler auch nach dem Aufkommen des Farbfilms weiterhin bewusst die Schwarzweißästhetik.
Die ersten Fotografien sind körnig und unbestimmt. Menschen erscheinen auf diesen frühen Bildern kaum; huschen sie durch eine Straße, sind sie zu flüchtig, als dass die langsame Belichtung sie erfassen könnte. Zum ersten Mal hatte der Mensch die Möglichkeit, auf ein getreues Abbild der Wirklichkeit zu blicken, das vom Licht selbst festgehalten wurde – keine Hand eines Malers, keine Verzerrung durch Fantasie, nur der Abdruck des Tatsächlichen. Dieses neue Bild veränderte unser Verhältnis zur Welt: Wir erkannten, dass ein Augenblick überdauern kann. Die Fotografie wurde plötzlich Teil des Lebens – ein Gegenstand, in dem Licht und Schatten zu einer dauerhaften Erinnerung wurden. Mit der Kamera in der Hand begann der Mensch, neu sehen zu lernen. Wir beobachten Spiegelungen der Sonne auf der Wasseroberfläche, das Muster von Schatten auf dem Pflaster einer Straße, und wissen, dass wir diese flüchtigen Bilder festhalten und bewahren können. Die Welt durch das Objektiv besitzt einen anderen Rahmen: Sie wird zur Komposition, zu einem Bild, das wir auswählen und bewusst erschaffen. In der Dunkelkammer tauchen dann auf dem reinen Papier in der Schale mit dem Fixierbad langsam Konturen und Formen auf. Die Fotografie wird auch zu einer Kunst des Ausdrucks und bietet neue Blickwinkel: einmal erinnert sie an einen verschwommenen Traum, ein anderes Mal an eine scharfe Wahrheit. Fotografie kann aus sich selbst heraus poetisch sein: Ein Tautropfen auf einem Spinnennetz verwandelt sich in ein Juwel, die Silhouette eines einsamen Baumes am Horizont erzählt von Entschlossenheit. Fotografie wird zum Gedächtnis der Menschheit, bewahrt in Zeitungsarchiven und in Familienkisten auf Dachböden. Es sind Bilder, in denen Licht lebendig wird – der Sonnenstrahl auf einer alten Aufnahme ist derselbe, der damals auf das Gesicht unserer Vorfahren fiel. Beim Betrachten von Fotografien steigen Gefühle auf: Melancholie, Staunen, Rührung. Nach dem ersten Jahrhundert ihres Bestehens ist die Fotografie keine Neuheit mehr und auch kein bloßer Zeitvertreib für einige Enthusiasten. Sie ist allgegenwärtig – von großen Ereignissen bis zu den intimsten Augenblicken. Der Mensch hat durch sie eine neue Beziehung zur Welt geschaffen: Er weiß, dass kein Moment so flüchtig ist, dass er nicht bewahrt werden könnte.
In mehr als anderthalb Jahrhunderten hat sich die Schwarzweißfotografie in der Kunstwelt einen unersetzlichen Platz erobert. Im digitalen Zeitalter bleibt sie lebendig, und Fotografen veranstalten weiterhin Ausstellungen handentwickelter Aufnahmen. Vom grobkörnigen Heliotyp auf einer Zinnplatte hat das schwarzweiße Bild unzählige Wandlungen durchlaufen. Ob Schwarzweißfotografie als dokumentarisches oder künstlerisches Werkzeug eingesetzt wird, sie wirkt auf Emotionen und Ästhetik. Ihre Geschichte ist mit der technischen Entwicklung des analogen Prozesses verbunden, und der Zauber des in Grautönen festgehaltenen Lichts wird weiterhin Generationen von Betrachtern und Schöpfern faszinieren. Ihre Geschichte ist eng mit der technischen Entwicklung des analogen Prozesses verknüpft.
Quellen: Verfügbare Literatur und Archivquellen. Der technische Entwicklungsprozess wird nach klassischen fotografischen Handbüchern beschrieben. Überlegungen zu Emotionen und zur Kunst der Schwarzweißfotografie spiegeln Ansichten von Fotografen wider. Offizielle Website von Alexandre Deschaumes: À Propos (2025)
Aktualisiert am 27. März 2025