Nejstarší dochovanou fotografií na světě je pohled z okna v Le Gras (1826) od francouzského vynálezce Nicéphore Niépce. Snímek vyžadoval expozici trvající přibližně osm hodin, proto jsou budovy z obou stran osvětleny sluncem. Černobílý materiál dominoval v prvních zhruba 125 letech historie fotografie. Fotografie dnes tiše šeptají o odvaze prvních tvůrců, kteří stvořili kouzlo obrazu ze světla.
V šeru úsvitu spatřujeme první zašeptání věčnosti, pohled z okna v Le Gras. Právě ona mlhavá neurčitost, nedokonalost, jež proměňuje střechy a zdi v beztvaré tvary, propůjčuje snímku auru neuchopitelnosti. Pohled do Le Gras dýchá melancholií zapomenutého rána. V tomto leží pravá podstata fotografie, schopnost zachytit okamžik ve chvíli jeho vzniku. Niépceho fotografie je tichou symfonií šumu.
Nicéphora Niépce ( † 1833) se narodil v Chalon-sur-Saône ve Francii v bohaté rodině - jeho otec byl správcem panství krále Ludvíka XV. Původně byl pokřtěn jako Joseph, později přijal jméno Nicéphore. Na počátku 19. století se objevilo nadšení pro nové reprodukční techniky obrazů. V roce 1813 se ve Francii rozšířilo umění litografie, které umožňovalo tisknout kresby z kamene. Niépce, fascinován touto technikou, ji začal studovat. K přenosu návrhů se často používala camera obscura, optické zařízení, které promítalo skutečný obraz na podložku, z níž jej umělec obkresloval. Niépce však nebyl spokojen s výsledky ručního obkreslování převráceného obrazu z camery obscury a hledal způsob, jak trvale a automaticky zachytit obraz v temné komoře. Tato myšlenka ho přivedla k řadě experimentů s různými světlocitlivými materiály.
Niépce použil cínovou desku pokrytou vrstvou asfaltu, která na osvětlených místech ztvrdla, a na neosvětlených místech se po mnoha hodinách vystavení slunečnímu světlu smyla. Tento proces nazval heliografie neboli „sluneční kresba“. Výsledný obraz vyžadoval extrémně dlouhou dobu expozice, přibližně 8 hodin, ale Niépce prokázal, že je možné obraz trvale zachytit objektivem fotoaparátu. Niépce později spolupracoval s francouzem Louisem Daguerrem, který po Niépceho smrti v roce 1833 pokračoval ve zdokonalování fotografického procesu. Louis Jacques Mandé Daguerre učinil klíčový objev - zjistil, že původně neviditelný obraz zachycený na citlivé vrstvě lze vyvolat zkrácením expozice a vystavením rtuťovým parám. V roce 1839 Louis Daguerre představil svůj proces, nazývaný daguerrotypie, který umožňoval mnohem kratší expozice, řádově minuty místo hodin, a poskytoval detailnější výsledky. Daguerrotypie vytvářela obraz na stříbrné desce a výsledkem byl jedinečný, vysoce lesklý originál, kterému se v té době přezdívalo „paměťové zrcadlo“. Obraz byl křehký, musel být uchováván za sklem a zrcadlil se obráceně. Hlavní nevýhodou bylo, že neexistoval žádný negativ - každá daguerrotypie byla jedinečná a nedala se reprodukovat.
V roce 1839 se zpráva o Daguerrově vynálezu rychle rozšířila po celém světě, včetně Čech. České noviny Bohemia uveřejnili 27. ledna 1839 první zprávu o „malování světlem“ a v témže roce se v Čechách objevily první daguerrotypie. Jedna z nich - Daguerrova fotografie kabinetu kuriozit knížete Metternicha - se dodnes uchovává na zámku Kynžvart. Louis Jacques Mandé Daguerre jí věnoval rakouskému kancléři Klemensi Wenzelu von Metternichovi ještě před oficiálním zveřejněním svého objevu daguerrotypie. Na zadní straně snímku je vlastnoruční poznámka kancléře Metternicha. Tato skutečnost činí tuto fotografii jedinečným historickým dokumentem, dokládajícím nejen ranou historii fotografie, ale také kulturní vztahy té doby. Je výjimečná nejen svým stářím, ale také zachovalostí a původní adjustací.
Dalším příkladem je rodinný portrét hraběte Chotka a jeho rodiny z listopadu 1839. Jedná se o jednu z prvních fotografií pořízených v českých zemích. Expozice tehdy trvala několik minut, takže fotografovaná osoba musela dlouho pózovat bez hnutí. Krátce po daguerrotypii vyvinul Angličan William Henry Fox Talbot alternativní proces zvaný kalotypie (1841). Jako první použil princip negativu na papíře, z něhož bylo možné kontaktním tiskem zhotovit libovolný počet pozitivních kopií.
Negativ a pozitiv umožňovaly násobení obrazů, což u daguerrotypií chybělo. V praxi však měla kalotypie omezené rozlišení a jemnost. V padesátých letech 19. století ji proto překonal kolodiový nebo mokrý proces, který vynalezl angličan Frederick Scott Archer. Ten používal skleněné desky potažené světlocitlivou vrstvou mokrého kolodia. Mokrý proces spojoval výhody ostrosti a reprodukce - výsledkem byl skleněný negativ, z něhož bylo možné zhotovit ostré pozitivy na papír. Nevýhodou bylo, že deska musela být vyvolána ihned po expozici ještě za mokra, což fotografy nutilo nosit s sebou do terénu přenosné temné komory a chemikálie.
Koncem 70. let 19. století se objevil tzv. suchý proces - bromostříbrné želatinové desky (negativy), které nebylo nutné ihned zpracovávat. Tento vynález postupně zjednodušil fotografování: suché desky bylo možné vyrobit a skladovat předem. Zpočátku byly méně citlivé a měly větší zrnitost než mokrý kolodiový proces, ale jejich rychlý vývoj zlepšil jejich kvalitu natolik, že do roku 1880 zcela vytlačily mokrý proces. Poté přišel průlom v podobě svitkového filmu na pružné celuloidové podložce, který v roce 1888 představila společnost Eastman Kodak. Díky sloganu „Vy stiskněte spoušť, my uděláme zbytek“ umožnila společnost Kodak používání lehkých, přenosných fotoaparátů a masové rozšíření fotografie. V Evropě si rychle získaly oblibu fotoaparáty na 35mm film, které ve 20. letech 20. století představil Oskar Barnack (Leica).
James Clerk Maxwell předvedl princip třístupňové barevné projekce již v roce 1861, ale praktický barevný materiál se objevil až později - autochromové desky bratří Lumiérů (1907). Ty používaly drobné barevné filtry vyrobené ze škrobu, ale vzhledem k jejich nízké citlivosti a složitosti zpracování zůstala barevná fotografie dlouho kuriozitou. Teprve na počátku 50. let 20. století se barevné fotografii začalo dařit. Až do poloviny 20. století byla černobílá fotografie standardem pro novináře, umělce i amatéry.
Francouzský fotograf Henri Cartier-Bresson fotografoval téměř výhradně černobíle a domníval se, že barva může na fotografii odvádět pozornost: „Barva popírá všechny trojrozměrné hodnoty fotografie,“ řekl Cartier-Bresson.
V Československu byla barevná fotografie až do 80. let 20. století méně rozšířená z praktických důvodů - barevné filmy a chemikálie byly dražší a hůře dostupné. Většina amatérů i profesionálů v 60. a 70. letech 20. století nadále pracovala černobíle a vyvolávala film doma v temné komoře.
Analogová černobílá fotografie se vytváří pomocí světlocitlivých vrstev na filmu a papíru, které obsahují halogenidy stříbra. Celý proces probíhá v několika fázích - od expozice filmu ve fotoaparátu přes chemické vyvolání negativu až po vytvoření pozitivní fotografie na papíře v temné komoře. Papír používaný pro černobílou fotografii má podobné složení jako film - na zadní straně papíru je vrstva želatiny obsahující halogenidy stříbra. V temné komoře se negativ vloží do zvětšovacího přístroje, který přes něj promítá světlo na podkladový papír. Expozici papíru lze řídit clonou a dobou trvání světla nebo použitím filtrů pro úpravu kontrastu. Po expozici prochází papír stejným chemickým procesem jako film: nejprve do vývojky, kde se obraz vyvolá a během minuty nebo dvou se objeví na papíře; poté do lázně a ustalovače, který odstraní neosvětlený halogenid a zafixuje obraz; a nakonec do vody. Po zaschnutí je na papíře trvalý pozitivní obraz, který odpovídá původní scéně.
Celý proces analogové fotografie vyžaduje pečlivost a zkušenosti. Proces vyvolávání je citlivý na teplotu, čas a míchání roztoků, protože při nadměrném vyvolávání film zbytečně ztmavne, zatímco při nedostatečném vyvolávání může časem dojít k postupnému zčernání obrazu. Každý fotograf si proto obvykle vytvořil specifickou sekvenci zpracování a oblíbené značky vývojky. Výsledná černobílá fotografie na papíře se skládá z jemných částeček kovového stříbra ve vrstvě papíru. Tyto stříbrné snímky jsou na jedné straně poměrně trvanlivé - mnoho snímků z 19. století se dodnes dochovalo v dobrém stavu. Umožňují také různé další tonální úpravy. Fotografové často tónovali hotové fotografie do modra pomocí solí železa, aby dosáhli změny estetického vzhledu i lepších archivních vlastností. V době před barevným filmem bylo běžné také ruční kolorování černobílých fotografií, třeba portréty se ručně malovaly akvarelem, aby působily autentičtějším dojmem.
Černobílý obraz často působí nadčasově - vyvolává pocit vzpomínek a nostalgie, protože staré fotografie a filmy si podvědomě spojujeme s černobílým zpracováním. Odstranění barev může zvýšit dramatičnost a kontrast a hra světla a stínu je v černobílém provedení výraznější. Vysoký kontrast s hlubokou černou a jasnou bílou dodává scéně napětí a emocionální sílu. Naopak jemné polotóny a měkké stíny na černobílé fotografii mohou vyvolat pocit klidu nebo smutku.
Černobílá portrétní fotografie často hlouběji proniká do výrazu a emocí fotografované osoby, protože oči a mimika obličeje vypovídají silněji. Kanadský fotožurnalista Ted Grant ( † 2020) k tomu řekl: „Když fotografujete lidi v barvě, fotografujete jejich oblečení. Ale když je fotografujete černobíle, fotografujete jejich duši.“ Černobílý portrét může odhalit charakter, zatímco barevné prvky mohou odvádět pozornost od tváře nebo emocí. Černobílé ztvárnění často vytváří pocit autenticity a zaměřuje se na to podstatné. Slavné dokumentární fotografie, například reportáž z ulice, jsou černobílé a jejich emocionální dopad je obrovský.
V 19. století mnoho malířů odsuzovalo fotografii pro její mechanickou povahu - fotograf pouze zachycoval obraz skutečnosti pomocí stroje. V polovině 19. století vytvářeli portrétní fotografové, jako byl Gaspard-Félix Tournachon ( † 1910) používající celou svojí kariéru pseudonym Nadar, nádherné portréty slavných osobností. Nadar se proslavil nejen jako technický inovátor - pořídil například první letecké fotografie Paříže z balonu -, ale také jako umělec: jeho ateliérové portréty herečky Sarah Bernhardtové ( † 1923) a spisovatele Victora Huga ( † 1885) byly například pozoruhodné svou psychologickou hloubkou výrazu. Jejich černobílá tonalita a jemné osvětlení vyzdvihují charakter fotografovaných osob a dodnes jsou považovány za mistrovská díla.
Eugène Atget ( † 1927) kolem roku 1900 systematicky fotografoval staré pařížské ulice a zákoutí. Jeho snímky, původně zamýšlené jako dokumentární, nakonec zaujaly surrealisty svou snovou prázdnotou a staly se uznávaným uměním, zejména jeho starosvětské snímky prázdných pařížských ulic a architektury. Man Ray (1976), americký umělec žijící v Paříži, experimentoval s fotogramy (rayogramy) a solarizací - přímou expozicí objektů na citlivý papír bez použití fotoaparátu. Vytvářel abstraktní černobílé kompozice, které ovlivnily vývoj fotografie jako uměleckého média.
Na přelomu 19. a 20. století vzniklo hnutí piktorialistů, kteří se snažili povýšit fotografii na úroveň malířství. Záměrně používali měkké objektivy, speciální papíry a jemný tisk, aby jejich černobílé fotografie působily dojmem obrazů. V Čechách se piktorialismu věnovali Karel Novák ( † 1950) známý zasněnými a romantizujícími fotografiemi krajiny a Jan Maloch ( † 1911). Jan Maloch byl původně akademicky vzdělaný malíř, který se ve Vídni seznámil s nejnovějším vynálezem doby, daguerrotypií. Roku 1846–47 zde absolvoval odborné školení v daguerrotypickém ateliéru a stal se tak zřejmě prvním Čechem, který byl oficiálně vyučen fotografem-daguerrotypistou . Tato průprava spojovala jeho malířský talent s fotografií. Fotografování chápal jako doplněk malby a kresby – médium, které může rozšířit možnosti výtvarného vyjádření, nikoli jen technickou novinku pro mechanické zobrazování . Svými portréty osobností české kultury Maloch zachycoval nejen fyzickou podobu, ale často i ducha doby. Vedle portrétů se Jan Maloch věnoval krajinářské a dokumentární fotografii v duchu dobového romantismu. jeho rané pražské snímky náleží mezi nejstarší fotografie města.
Profesionální fotografové udržovali kontakty napříč zeměmi monarchie a účastnili se mezinárodních aktivit. Maloch byl člen Fotografické společnosti ve Vídni (Photographische Gesellschaft in Wien), založené roku 1861 jako jedno z prvních fotografických sdružení v Evropě . Tato společnost sdružovala mimořádné talenty z celého mocnářství – vedle Malocha v ní figurovali třeba pražští fotografové František Fridrich a Jindřich Eckert či významní vynálezci jako Karel Klíč. Podobně jako olejomalby té doby byly inscenovány tak, aby zobrazovaná osobnost působila důstojně a idealizovaně. To odpovídá estetice piktorialismu, který usiloval o malířskou krásu fotografie. Ačkoli termín piktorialismus se ujal až koncem 19. století, Malochovy fotografie již nesly mnohé znaky tohoto směru: měkké podání detailů (zejména u ručně kolorovaných daguerrotypií), pečlivou kompozici scény, využití rekvizit a kostýmů a v neposlední řadě výrazný autorský vklad (retuše, domalby).
Fotograf a pedagog Karel Novák se v roce 1920 Karel Novák podílel na založení ateliéru fotografie na Státní grafické škole v Praze. Tato škola se stala centrem vzdělávání pro fotografy. Karel Novák na škole vedl ateliér portrétní fotografie po dobu 15 let a mezi jeho žáky patřil například Josef Sudek, který na něj vzpomínal jako na inteligentního a noblesního pedagoga. Kromě působení v Praze vyučoval Novák také na odborné fotografické škole Graphische Lehr- und Versuchsanstalt ve Vídni, která patřila mezi nejlepší v Evropě.
Objevily se i opačné tendence - důraz na fotografickou čistotu a ostrost. Ve 20. letech 20. století vytvářeli avantgardní fotografové v Československu a ve Francii pozoruhodná umělecká díla využívající specificky fotografické prostředky - ostrou kresbu, neobvyklé úhly, hru světla a stínu.
V Československu patřil k inovátorům Jaromír Funke, který vytvářel abstraktní zátiší ze skla a světla a pomocí černobílé fotografie zkoumal formy a světelné efekty, čímž předznamenal moderní fotografii jako samostatné umění. Po vzniku samostatného Československa roku 1918 zavládla v zemi tvořivá atmosféra a mladí umělci, včetně fotografů, cítili silný impuls proslavit novou republiku moderním uměním . První fotografické krůčky dělal v Kolíně, který dokumentoval s ručním aparátem.
V roce 1924 spoluzaložil s Josefem Sudkem a Adolfem Schneebergerem Českou fotografickou společnost, jejímž cílem bylo prosazovat moderní pojetí a „čistě fotografické procesy“ zbavené vlivu grafických technik . Česká fotografická společnost se chtěla vymanit z piktorialismu a pozdvihnout fotografii na plnohodnotné moderní umění. Roku 1922 formuloval vlastní estetický směr, který nazval „fotogenismus“ – jím zdůrazňoval schopnost fotografie vytvářet obrazové kouzlo světla (ve francouzském prostředí se obdobný pojem photogénie užíval pro film) . Funke tím chtěl vyjádřit, že fotografie má stavět na svébytné obrazové kvalitě, nikoli napodobovat malbu.
Vilém Horn ( † 1891 ) patří k úplně prvním fotografům v českých zemích. Rodák z České Lípy, původně stavební úředník, propadl po roce 1839 kouzlu daguerrotypie a začal se jí intenzivně věnovat . Roku 1854 založil německy psaný časopis Photographisches Journal, první fotografický odborný magazín v Evropě , kde informoval o novinkách techniky a publikoval i první ceník fotopotřeb v Čechách . Horn roku 1857 jako první vyfotografoval české korunovační klenoty .
Alexander Seik ( † 1905 ) pocházel z Mirotic u Písku, znám především jako specialista na unikátní techniku zvanou chromofotografie, která spočívala v kombinaci dvou identických fotografií – jedna průsvitná a druhá kolorovaná – čímž vznikal plastický barevný efekt .
Ignác Šechtl ( † 1911 ) uváděný někdy pod německým jménem Ignaz Schächtl se v jižních Čechách brzy stal významnou osobností: dokumentoval místní obyvatele ve svém ateliéru i události ve městě a okolí. Krátce po objevu kinematografu sestrojil vlastní promítačku a pořádal první filmové projekce (dokonce přidával i rentgenové snímky jako atrakci) . Ignác Šechtl zanechal rozsáhlé dílo; několik set tisíc negativů a fotografií se zachovalo dodnes a dokumentují každodenní život i významné momenty regionu .
Jindřich Wankel ( † 1897 ) známější jako archeolog a speleolog našel kouzlo i v temné komoře fotografie. Jeho přístroj promlouval k jeskynním prostorám Moravského krasu jemným cvaknutím závěrky, odhalujíc stíny a kontury krápníků, které dosud znaly jen plameny loučí. Wankel fotografoval přírodu a geologické útvary s precizností vědce a lyrikou básníka, každý snímek byl symfonií kamenů a ticha.
Bedřich Anděl ( † 1895 ) v Litoměřicích mistrovsky míchal techniky daguerrotypie i mokrého kolodia, jeho schopnost pracovat s kolodiem dala vzniknout obrazům, které byly samy o sobě malými divadelními hrami světla a času.
První fotografie Tibetu pořídili britští koloniální agenti a cestovatelé, kteří často pořizovali portréty Tibeťanů na tibetských hranicích, v Dárdžilingu nebo v odlehlých oblastech Číny. V roce 1890 pořídil francouzský princ Henri d'Orléans na expedici do neznámých oblastí Tibetu sérii fotografií tibetských kočovníků. Francouzská orientalistka a buddhistka Alexandra David-Neelová ( † 1969), průkopnice ženského cestování a fotografování v Asii, vstoupila do Lhasy v roce 1924. Tajně fotografovala Lhasu a její okolí malým fotoaparátem ukrytým pod oblečením. Když se jí do zakázané Lhasy podařilo dorazit, pořídila několik vzácných fotografií města, chrámů a každodenního života obyvatel.
Polovina 20. století přinesla spontánní snímky lidí v každodenním životě. V Paříži tento žánr proslavili fotografové jako Henri Cartier-Bresson a Robert Doisneau. Doisneau se proslavil svými poetickými záběry pařížských ulic, například slavným polibkem na Place de l'Hôtel-de-Ville. Černobílá fotografie dala těmto momentkám jednotící styl: působí upřímně, neodvádí pozornost od barevnosti doby a soustřeďuje pozornost na emoce a kompozici scény. Díky tomu se mnohé z nich staly uměleckými symboly své doby.
Počátky fotografických objektivů byly cestou od jemných stínů k ostrému obrazu světa. První objektivy z 19. století připomínaly svými vlastnostmi spíše snivý pohled dalekohledu než přesný fotografický přístroj. Když v roce 1839 spatřil světlo světa daguerrotypický objektiv, jeho achromatické čočky umožňovaly zachytit obraz při velmi dlouhých expozicích a nízké světelnosti kolem f/14. V té době byl obraz spíše magickou impresí než přesnou reprodukcí skutečnosti. Revolučním mezníkem byl rok 1840, kdy Josef Maximilián Petzval vykouzlil ze skla objektiv se světelností f/3,5, který doslova vpustil světlo do fotografie. Petzvalova konstrukce, harmonicky spojující achromatické dvojice, radikálně zkrátila expoziční časy a dovolila fotografům zachytit živé portréty. Přesto objektiv vykresloval jen úzkou část snímku skutečně ostře a okraje se ztrácely v měkkém nádechu. V polovině 19. století se objevily objektivy jako Aplanát nebo Rapid Rectilinear, které svou symetrií, připomínající zrcadlový tanec skla, dokázaly potlačit zkreslení linií a zvýšily úhel záběru na přibližně 60°. Konec 19. století patřil anastigmátům – objektivům, které slibovaly čistý a ostrý obraz až ke krajům fotografického pole. Cooke triplet z roku 1893 byl jako tři kapky rosy posazené ve skle: jednoduchý, čistý a přitom brilantně ostrý. Stejně tak Zeissův Tessar proslul čtyřčlennou konstrukcí, jež dokázala s elegancí vyvážit vysokou ostrost a příjemný kontrast. V první polovině 20. století, s rozvojem kinofilmu se zrodily konstrukce jako Sonnar od Zeisse, jehož sedm čoček v několika tmelených skupinách propouštělo nevídaně mnoho světla při cloně až f/1,5. Obraz ze Sonnaru byl plný kontrastu, živosti a snivé měkkosti v pozadí – ideální nástroj reportážních fotografů. Nástup antireflexních vrstev ve 30. a 40. letech přinesl další zlom. Objektivy jako Planar, dosud trpící odlesky, náhle rozkvetly do plné krásy svých původních návrhů. Zvýšili průhlednost a jasnost snímků, otevřely cestu pro složitější vícečlenné soustavy, které podávaly dokonalou ostrost při otevřené cloně a minimálních optických vadách. Přelom 40. a 50. let přinesl ještě jednu významnou inovaci – retrofokální objektivy. Francouzský Angénieux Retrofocus umožnil použití širokoúhlých objektivů na zrcadlovkách a stal se symbolem moderního pohledu na svět.
Od počátků želatinových emulzí dominovaly fotografii stříbrné halogenidy nanesené na pružné filmové pásky. V Čechách si oblibu získaly filmy značek Fomapan či Neobrom, známé svou poctivou středoevropskou kvalitou. Fomapan, vyráběný od 20. let minulého století firmou Fotochema (dnes Foma Bohemia), měl v sobě poetiku jemných šedých tónů, hladivou zrnost a schopnost kreslit obrazy s melancholickou měkkostí, zároveň však zachytit i sebemenší detail. Oblíbeným byl i Fomapan 100 pro svou rovnováhu mezi jemným zrnem a citlivostí vůči světlu, zatímco Fomapan 400 lákal svou schopností vidět ve slabém osvětlení, protkávaje obraz jemným zrněním jako písek ve větru. V dalších zemích pak byly legendární filmy jako Kodak Tri-X či Ilford HP5, které svou pružností a velkým rozsahem tónů nabídly fotografům možnost pohotově zachytit pomíjivé momenty všedního dne i dramatické hry světla a stínu.
Ve druhé polovině 20. století, po nástupu barevného filmu, mnoho umělců stále záměrně volilo černobílou estetiku.
Za více než půldruhého století si černobílá fotografie vydobyla ve světě umění nezastupitelné místo. V digitálním věku zůstává černobílá fotografie stále živá: vznikají nové černobílé projekty a fotografové pořádají výstavy ručně vyvolaných snímků.
Ať už se černobílá fotografie používá jako dokumentární nebo umělecký nástroj, působí na emoce i estetiku. Její historie je spjata s technickým vývojem analogového procesu a kouzlo světla zachyceného v odstínech šedi bude i nadále fascinovat generace diváků a tvůrců.
První fotografie jsou zrnité a neurčité. Lidé se na těchto raných obrazech téměř neobjevují; mihnou-li se ulicí, jsou příliš pomíjiví, než aby je pomalá expozice zachytila. Poprvé měl člověk možnost dívat se na věrnou podobu reality, kterou zachytilo samotné světlo – žádná ruka malíře, žádné zkreslení fantazie, jen otisk skutečnosti. Tento nový obraz změnil náš vztah ke světu: uvědomili jsme si, že okamžik může přetrvat. Fotografie se najednou stala součástí života – předmět, v němž se světlo a stín proměnily v trvalou vzpomínku. S fotoaparátem v ruce se člověk začal učit dívat se nově. Sledujeme odlesky slunce na vodní hladině, kresbu stínů na dláždění ulice, a víme, že tyto prchavé obrazy můžeme zachytit a uchovat. Svět skrz objektiv má jiné rámování: stává se kompozicí, obrazem, který si vybíráme a vědomě tvoříme. V temné komoře se pak na čistém papíře se ve vaničce s ustalovačem zvolna vynořují obrysy a tvary. Fotografie se stává i uměním vyjádření a nabízí nové úhly pohledu: jednou fotografie připomíná rozmazaný sen, jindy ostrou pravdu. Fotografie dokáže být poetická sama o sobě: kapka rosy na pavučině se mění v klenot, silueta osamělého stromu na obzoru vypráví o odhodlání. Fotografie se stává pamětí lidstva, uložená v archivech novin a v rodinných krabicích na půdě. Jsou to obrazy, v nichž světlo ožívá – paprsek slunce na starém snímku je tentýž, který tehdy dopadal na tvář našich předků. Při prohlížení fotografií se vynořují emoce: melancholie, úžas, dojetí. Po prvním století své existence už fotografie není novinkou ani pouhou zábavou pro pár nadšenců. Je všudypřítomná – od velkých událostí až po nejintimnější chvíle. Člověk si díky ní vytvořil nový vztah ke světu: ví, že žádná chvíle není tak prchavá, aby nemohla být uchována.
Zdroje: Dostupná literatura a archivní prameny. Technický postup vyvolávání je popsán dle klasických fotografických příruček. Úvahy o emocích a umění černobílé fotografie reflektují názory fotografů. Oficiální web Alexandre Deschaumes: À Propos (2025)
Aktualizováno 27. března 2025